陸帕導演的《狂人日記》、田沁鑫導演的《直播開國大典》、孟京輝導演的《紅與黑》、李建軍導演的《世界旦夕之間》《變形記》、黃盈導演的《福壽全》、何念導演的《深淵》、張慧導演的《雜拌、折羅或沙拉》、馮遠征導演的《日出》……這些近期在國內熱演的劇目風格各異，表達內容不同，但都有一個共同的特點，就是都使用了“現場拍攝”手法。演出時，臺上不僅有演員，還有攝影師；而觀眾們看到的，也不僅是演員們的表演，還有舞臺上大屏幕播出的影像。這也讓人不由思考：戲劇導演們為什么都愛“現場拍影像”？而觀眾又感受如何呢？
《狂人日記》劇照。
現場拍攝
已成國內外導演鐘愛手段
在戲劇和影像藝術與技術方面都非常純熟的國際著名導演陸帕，和中國演員連續合作了《酗酒者莫非》和《狂人日記》兩部作品，其用精湛講究的影像技術，通過疊映等藝術手段，與線性框架、盒式舞臺空間一起，營造出多重現實和非現實空間之間的沖突與轉換，極大強化了戲劇帶給觀眾的心理感受，也讓人領略到了享譽世界的“陸帕劇場美學”。
何念導演的《深淵》則將現場拍攝和懸疑舞臺劇高水平的融合在一起，如同“偷窺”一樣的拍攝視角，讓整個故事更具懸念，也放大了表演細節，為觀眾帶來極大的觀看樂趣和心理刺激。該劇也被很多觀眾認為是“國內現場拍攝技巧最成熟的作品。”
田沁鑫導演當年的青春版《狂飆》，用八臺攝影機即時拍攝、即時剪輯、實時投影，在舞臺上同時出現多維時空，令人目不暇接。新作《直播開國大典》也讓攝影師在舞臺上現場將演員們的表演拍攝，并投影到多塊屏幕上，保證劇場內各角度觀眾的觀看效果，同時給舞臺帶來立體的時空關系。
孟京輝導演的新作《紅與黑》，則讓梅婷、張弌鋮、羅歡三位主演走下舞臺，走進觀眾席表演，攝影師將演員和觀眾一起拍攝下來投影在舞臺上的大屏幕上，帶給觀眾不一樣的觀演體驗。
就連一向偏傳統現實主義的北京人藝，也在新版《日出》中嘗試用“現場拍攝”的方式，突顯人物的命運。
這些戲劇作品的現場拍攝手法雖然各有千秋，水平也有高下，但讓人可以看到，“影像”和“現場拍攝”已經成為如今常見的舞臺手段，它們與現場表演深度融合，催生出新的表演形態，以更加豐富的手段和創新開放的態度，把劇場打造成多媒介融合的環境。
技術探索
應為支持更好地表達
黃盈是比較早嘗試在戲劇演出中采用現場拍攝手法的國內戲劇導演，從2011年的《花事如期》，到之后的《夢行者》《點心》《十字街頭》，到最新作品《福壽全》，都采用了這一手法。他的態度是：“這是拓寬表達的手段，干嗎不用？”
十年前，黃盈去阿維尼翁戲劇節，看到了在“即時拍攝”技巧方面引起國際戲劇界轟動的作品《朱莉小姐》，令他驚嘆。雖然這部作品在即時拍攝技術方面的水準國際一流，但黃盈在和田壯壯導演的深入探討中得到更大啟發，認為“現場拍攝不應該成為一種炫技的手段，而應為表達服務”。此后，黃盈導演在《花事如期》中，采用現場實拍來增強了作品視覺呈現，也豐富了表現男女主人公內心世界的舞臺手段。在《夢行者》中，他又采用現場拍攝的手法，拍攝胡同模型，讓很多已經消失的胡同通過影像重現，傳遞出一種對北京城的強烈感情和人文關懷。到了今年的《福壽全》，則是把隱藏攝像機技術當成放大現場精彩細節與擴展舞臺空間的手段，將現場拍攝作為與舞美、燈光、音效一樣的普通部門。黃盈認為，“技術和手段誰都可以用，但就看誰用得好。作品本身應該有自己原創性的表達，技術的發展也是為了支持表達的原創。”
李建軍作為當下最具實驗探索精神的國內中生代優秀戲劇導演，一直嘗試用各種有意思的方式去打破傳統戲劇的限制，創造新的舞臺語匯，拓寬劇場表達邊界，甚至重新定義當代戲劇的意義，啟發人們對當下社會與世界的關照與思考。今年的兩部新作《變形記》和《世界旦夕之間》中，都出現了大量即時影像。尤其后者，完全就是通過即時影像的舞臺呈現來傳達對世界的思考和態度。李建軍導演通過“演員假面表演+即時拍攝手法+綠幕現場合成”的方式，讓現場也呈現出了三個同時存在但又截然不同的場景：演員們在空空蕩蕩的綠幕前戴著面具，扮演不同的戲劇人物；舞臺上方的大屏幕里，被現場攝影機拍攝的演員出現在了帶有明顯合成痕跡和電子科幻感覺的電影場景中；而同時能夠看到舞臺表演和屏幕影片的觀眾，則被這樣一部能夠看到制作過程并且“故意虛擬化”的“科幻戲劇電影”觸發出很多新鮮的感受。李建軍說，“舞臺上的這些技術，是對戲劇時空的一種拓展，指向的是我們對世界的一種哲學性思考。”
《世界旦夕之間》在今年的第八屆烏鎮戲劇節上剛一亮相，立刻就引起了強烈關注和眾多好評，豆瓣評分給出了9.2高分，這也是李建軍近年來爭議最少、觀眾反響最好的作品，很多觀眾也都紛紛表示贊嘆：“超出預期！影像不是為了運用而運用，而是結合當下社會現狀。”
盲目跟風
過度使用只能弄巧成拙
對于現場拍攝手法越來越多出現在戲劇舞臺的這種現象，觀眾大都表示，最開始會覺得這種形式很新鮮，但看多了之后，還是覺得內容最重要，如果只是為了讓舞臺上更花哨熱鬧，不僅起不到加分作用，反而會讓人覺得“畫蛇添足”。現場拍攝的必要性和手法也很重要，“手段誰都能用，但關鍵是用得好不好，巧不巧。如果創作思路和表現手法貧瘠，就是用了現場拍攝等手段，依然會給人‘戲不夠，影像湊’的感覺。”還有些導演覺得用了現場拍攝就高級了、先鋒了，但實際上只是盲目跟風，弄巧成拙。而且現場拍攝如果被過度使用，也會影響到觀眾的觀演感受：“大屏幕和多媒體太多，會干擾我們看演員的表演。而且我們來劇場，如果還是要通過大屏幕看演員表演，那還不如在家看視頻呢！”看來，只有將形式和內容巧妙結合，并且在技術和創作上都很有獨到之處的作品，才會真正得到觀眾認可。
（原標題：近期在舞臺上利用現場拍攝和影像拓展邊界的做法越來越多，有戲劇導演表示——
不應成炫技手段，而要為表達服務）
